Je voudrais remettre en question votre description: "je suis allé là-bas, j'ai vu la scène, j'ai cliqué sur la photo et je suis rentré à la maison". Vous pourriez décrire ainsi chaque activité humaine possible, et elle a aussi une valeur littéraire ("Veni, vidi, vici" de César) mais la réalité est un peu différente.

Pour simplement "y aller", il devait se promener, à la recherche, passer peut-être des heures. On ne peut pas simplement étudier les directions de voyage à partir de google maps ou autre, se lever de l'ordinateur et aller droit au but.

Concernant "voir la scène": c'est tout l'intérêt de la photographie. Vous visualisez et capturez quelque chose, et peut-être que beaucoup de gens ont vu la même chose plusieurs fois mais n'ont pas pensé / ont pu la capturer. Considérez le titre des livres de Freeman: "L'œil du photographe", "L'esprit du photographe" ... combien de fois un sujet banal devient une belle photo? Il a fallu qu'il trouve un bon point de vue (Par exemple je me retrouve toujours avec le sentiment que j'ai raté quelque chose, qu'il était possible de faire mieux, d'être plus incisif ...)

Concernant " en cliquant sur la photo ": il fallait trouver le bon équilibre pour réaliser ce qu'il souhaitait. Et peut-être qu'il portait un trépied tout au long de sa promenade dans les arbres.

Donc, ce n'est pas du tout si facile. Votre question semble impliquer que puisque la nature est si belle, prendre une belle photo est "facile". Mais prendre une photo nécessite toujours votre point de vue (et votre opinion sur le choix d'un sujet plutôt qu'un autre). Et cela nécessite vos compétences photographiques, tout comme d'autres types de photographie (peut-être beaucoup plus contrôlés, par exemple en studio).

Si j'ai compris votre question, alors vous vous demandez ce qu'un photographe contribue à une belle image en plus de la chance de découvrir un endroit magnifique.

Permettez-moi d'énumérer quelques choses:

• Elle a cherché
  • Le photographe a peut-être investi du temps, des efforts et peut-être de l'argent pour localiser une belle scène. Ce n'est peut-être pas le cas, mais c'est une considération.
• Elle a attendu la lumière / la météo / la saison
  • C'est comme aller chercher la scène, mais c'est une recherche dans le temps plutôt que dans l'espace . La scène a peut-être semblé parfaite lorsqu'elle est arrivée la première fois, ou elle a peut-être fait de nombreuses visites sous différentes lumières, à différents moments de la journée ou l'année avant que la scène ne soit parfaite.
• Elle a capturé la scène
  • Nous savons tous que même avec la scène la plus époustouflante, il faut une quantité incroyable de compétences et d'art pour la capturer une manière qui communique cette nature époustouflante au spectateur de l'image finale. Voici quelques éléments de ceci:
  • Elle a choisi le point de vue (c'est-à-dire la composition précise).
  • Elle a choisi l'exposition correctement / correctement.
  • Elle a choisi le point de mise au point et la profondeur de champ.
• Elle nous a apporté l'image
  • Peut-être que je deviens un peu trop philosophique, mais le fait de partager une image est un acte artistique.

Vous devez commencer par rechercher des lieux . Cela signifie noter l'orientation de la scène, savoir comment la lumière tombera à différents moments de la journée, à quoi ressemble la lumière dans les différentes saisons et comment la scène elle-même se transforme au cours de ces différentes saisons. Il faut des années de «cadrage mental», de prise de notes et d'imagination pour développer une liste de lieux préférés. Ce travail ne s'arrête jamais. Certains photographes font du repérage sans apporter de matériel pour utiliser uniquement leur imagination avant de prendre une seule photo.

Consultez les bulletins météorologiques quotidiennement . Il est essentiel d'être en phase avec la météo. Différentes conditions météorologiques se traduisent par une lumière, une apparence, une sensation et une atmosphère différentes. Vous devez apprendre à anticiper la météo et être prêt à composer une photo dans l'un de vos endroits préférés en un clin d'œil. Il y a aussi une certaine prise de risque; Se réveiller à 3 heures du matin et arriver à un endroit en prévision de la meilleure lumière possible autour et peu de temps après le lever du soleil parfois ou souvent ne fonctionne pas si le temps change de manière imprévisible.

Composez la photo - Cela demande de la pratique et de l'expérience. Les connaissances techniques sur la lentille fonctionnant le mieux se marient avec le sentiment et la vision artistiques. En fin de compte, chaque partie de la photographie est tout aussi importante. Vous voudrez peut-être traduire le sentiment que vous ressentez au moment de prendre la photo. Si vous souhaitez modifier l'ambiance lors du post-traitement, vous voudrez peut-être réfléchir à la technique que vous utiliserez pour créer l'ambiance que vous souhaitez.

Revoir le post-traitement & - C'est ici que vous "développez" votre vision finale à partir des images "brutes" que vous avez prises "sur place". Passez en revue vos fichiers bruts et ne sélectionnez que les meilleurs pour créer votre photo finale. Presque toujours, un certain degré de post-traitement est nécessaire. Du mineur tel que la réduction du bruit ou la netteté au HDR complexe ou l'introduction d'éléments étrangers (photo-montage). Pour certains photographes, l'objectif est de créer un monde surréaliste, pour d'autres c'est de créer une image la plus réaliste possible, les possibilités sont infinies. Certains post-traitement peuvent prendre quelques minutes, d'autres images peuvent nécessiter des semaines de travail sur une seule photo. J'ai vu un documentaire NG où il a fallu plus d'un an pour créer une seule photo d'un séquoia.

Il y a tellement plus, après que tous les livres ont été écrits à ce sujet ...

Donc, à mon avis, il faut beaucoup plus que de se présenter et d'appuyer sur un bouton.

En termes de composition, sur la base de vos exemples, vous semblez essayer d'identifier que des images comme celles-ci sont meilleures avec des éléments de premier plan et une partie «début» «milieu» et «fin».

Prenons le premier exemple, c'est clairement une scène avec beaucoup d'efforts mis dans le plan. C'est une belle scène mais la composition n'est finalement guère plus que des arbres brumeux. Maintenant, prenez la troisième photo et similaire, ce sont encore des arbres brumeux, mais cette fois, nous avons une photo composée avec un élément clair d'intérêt de premier plan (arbre vert vif), un milieu dans les quelques souches, et le brouillard crée le fond éthéré.

La 2ème, de vos fleurs, est plus proche d'un portrait que d'une photo «nature». C'est vraiment une photo d'un seul sujet. La dernière photo du champ de fleurs met en évidence la composition avec les fleurs au premier plan, l'arbre au milieu et le ciel en «arrière-plan». C'est cette composition qui «rend» la photo dans votre esprit.

Avoir un début, un milieu et une fin, ou à tout le moins un élément de premier plan, aide à rendre la photo intéressante et guide l'œil autour de la photo. Pour moi, ce sont les différences fondamentales ici.

Je pense que la réponse se trouve dans l'étude d'Ansel Adams, incontestablement l'un des photographes de la nature les plus grands, les plus célèbres et les plus populaires. Non seulement Adams était un grand photographe et écrivain, cette question est l’une des parties essentielles de l’œuvre de sa vie: la légitimation de la photographie en tant que forme d’art expressif, pas simplement un support d’enregistrement mécanique.

Extrait d'une interview de 1984:

Je pense à la définition de Stieglitz de la photographie - une paraphrase de ce que je l'ai entendu dire plusieurs fois. Dans les premiers temps, quand les gens méprisaient beaucoup ce qu'il appelait «la photographie créative» ou «la photographie en tant qu'art», ils demandaient: «M. Stieglitz, comment faites-vous la photographie créative?» Il répondait: «Quand j'ai envie de photographier, je sors dans le monde avec mon appareil photo. Je tombe sur quelque chose qui m'excite émotionnellement et esthétiquement. Je suis excité de manière créative. Je vois l'image dans mon esprit et je faites l'exposition et je vous donne l'impression comme l'équivalent de ce que j'ai vu et ressenti. " Le mot «équivalent» est très important. Ce sont deux choses: ce que l'on voit et ce qu'on en ressent. C'est pourquoi l'élément naturaliste de la photographie est très important. Lorsque vous vous écartez intentionnellement de la situation naturelle, vous pouvez avoir des ennuis. Sauf si vous partez assez loin.

(Une vidéo d'une interview similaire à peu près à la même heure est disponible sur YouTube. Ignorez la première minute pour accéder directement à Adams directement.)

Le «système de zones» d'Adams est une technique d'exposition, mais c'est aussi une technique pour prendre la scène devant vous et produire une impression finale qui montre ces deux éléments , le vu et le ressenti; à la fois, comme vous le dites, "la scène qui était là", et une interprétation artistique de l'impact émotionnel de cette scène.

Votre commentaire selon lequel "Pour moi, on dirait que la scène était là et [le photographe] " me rappelle une citation d'Adams souvent répétée mais apocryphe: "Parfois, j'arrive à des endroits simplement quand Dieu est prêt à ce que quelqu'un clique sur le volet. " Mais même dans ce cas, il faut avoir les compétences techniques - l'artisanat - pour que ce clic se produise parfaitement. Le plus souvent, réussir une photographie de paysage ou de nature nécessite plus d'efforts initiaux que le résultat final ne l'indique. Pour certaines personnes, en fait, obtenir cette impression d'une capture sans effort de la beauté naturelle est un objectif, même s'il a fallu beaucoup de travail pour arriver exactement au bon endroit au bon moment.

Donc, ce n'est pas une réponse littérale, mais j'espère qu'elle pointe dans la bonne direction vers une réponse plus large et plus complète. Je pense qu'en observant attentivement le travail de certains des grands photographes de la nature, et en lisant ce qu'ils ont écrit, vous pouvez vous mettre sur le chemin où vous pouvez trouver la réponse. Adams a une trilogie de livres, The Camera , The Negative et The Print qui, à l'ère numérique, peuvent être considérés comme partiellement obsolètes dans Un sens technique , mais qui regorge de sagesse sur la photographie de manière intemporelle. (Et c'est une lecture facile et conversationnelle - et vous pouvez parcourir les parties que vous ne trouvez pas utiles ou intéressantes.)

Pour distiller ce que je peux, cependant:

1. Comprendre le processus de transformation d'une idée visuelle en une image finale, de la caméra au post-traitement en passant par l'impression (ou l'affichage en ligne).
2. Trouvez quelque chose qui vous plaît émotionnellement ou esthétiquement - ayez quelque chose à dire, même si c'est juste "ce sont de jolies fleurs".
3. Visualisez le résultat de ce quelque chose - comment allez-vous dire ce quelque chose ? - et utilisez vos compétences acquises pour transformer votre idée en une photo qui peut être partagée avec d'autres .

IMO, Dans la photographie de nature et d'oiseaux / animaux, vous n'avez pas besoin de faire une photographie. Ce serait une excellente image si vous cliquiez sur l'image sous un angle, une perspective, etc. non conventionnels, mais ce n'est pas absolument nécessaire. La nature en elle-même est belle. Cela dit, vous devez bien connaître votre équipement si vous devez capturer la brillance. J'ai vu plusieurs exemples de captures brillantes et médiocres de la même scène.

Je pense que tu as PEUT-être été trop dur avec le photographe. Alors que le hotographer PEUT venir / cliqué / gauche, c'est peu probable.

Ce que vous voyez là-bas a probablement fait l'objet de beaucoup de choses - à la fois dans la composition originale et éventuellement dans le post-traitement.
En utilisant même des outils simples, vous pouvez produire un certain nombre de résultats post-traités à partir de cette scène qui donne des sensations nettement différentes. Tout cela était à la disposition du photographe sur place et par la suite. Ce que vous voyez sur la photo finale, c'est sa tentative de vous faire ressentir ce qu'il ressentait.

La photo ci-dessous et celles [dans cet album Web] sont présentées avec l'intention de rencontrer à la fois l'esprit et la lettre du les dispositions du droit d'auteur relatives à l'utilisation équitable. L'image appartient à Francesco Mangiaglia et est présentée ici sous différentes formes possibles comme un commentaire sur ce qu'il a choisi de faire et ce qu'il aurait pu choisir de faire et comment le "ressenti" des potentiels varie.

Je vais présentez une seule variante ci-dessous.

L'original et les 5 versions possibles peuvent être consultés ici

Rouler - ne cliquez pas au départ.
Commentaires sur les modifications en bas à droite dans chaque cas.
Toutes les images sont copyright Francesco Mangiaglia.

The Forest Primeval - quelque part de "Into Deep Sleep".
Le choix du photographe de ce que vous voyez par rapport à ce que vous aurait pu voir est évident.

Cela revient essentiellement à avoir une vision et à réaliser cette vision (et je pense que vous comprenez cela, car cela semble être le point de la question).

Un photographe "fait" la photo non seulement en choisissant soigneusement son éclairage et sa composition (comme cela a déjà été souligné), mais en prenant activement un rôle dans le processus et en modifiant autant que possible l'environnement pour correspondre à sa vision. Prenons par exemple ce billet de blog de Bryan Peterson où il donne plusieurs exemples de modification active de l'environnement avant de prendre la photo en modifiant la scène (dans un cas en plaçant une feuille sur un rocher, et dans un autre cas en plaçant une coquille sur une plage autrement vide). Gardez cela à l'esprit également, ce n'est pas parce que c'est une photo de nature que vous ne pouvez pas modifier la scène pour la rendre plus intéressante.